Chroma Key, su historia y usos.

Chroma Key o pantalla verde (aunque hay otros colores), es una técnica que tiene bastantes años, muy utilizada en el cine pero ¿Cómo es que funciona?

Inicios de la doble exposición

El uso del chroma parece magia, obviamente no lo es, pero sus inicios tienen algo que ver ¿Qué los conecta? Georges Méliès. El ilusionista francés tras quedar cautivado por la proyección de los hermanos Lumiere, empezó a experimentar. Desarrollo técnicas como la doble exposición, técnica que consiste en grabar varias veces sobre la misma película antes de revelarla. Esto hacia que las imágenes se sobrepusieran (Esta era una técnica ya utilizada en la fotografía fija).

También perfecciono la técnica del Matte Shot, la cual consiste en tapar una parte del lente con un vidrio pintado de negro, evitando que una parte de la película quede impresa por la luz. Una vez finalizada la grabación, se rebobinaba la cinta y se volvía a tapar el objetivo pero esta vez del otro lado. Estas tomas son conocidas como mascaras, las cuales hoy en día pueden realizarse en post producción.

El problema de esta técnica es que la cámara tenia que estar completamente quieta y el objeto/personaje que se encuentre de un lado no tenia que atravesar la linea imaginaria que trazaba el vidrio porque la imagen se cortaba, por ese motivo las técnicas fueron evolucionando, trayendo una mascara móvil.

Proceso Williams, el primer «Chroma Key».

El primer método que surgió fue el Proceso Williams, nombrado así por su creador, Frank Williams. Esta técnica consistía en grabar a los personajes sobre un fondo negro. Luego no solo se revelaba la película sino que se realizaba una copia aumentándole el contraste al máximo para que la silueta de los personajes quede totalmente blanca sobre el fondo negro. Este fondo es lo que funcionaba como Matte Shot para ponerle lo que uno deseaba.

Proceso Dunning

El problema que tenia el proceso Williams es que las sombras de los personajes se perdían en la mascara, esto fue solucionado cambiando el fondo negro por uno azul. El Proceso Dunning, no solo consistía en tener un fondo azul sino que fue mas allá y puso en juego también la iluminación. Luces azules para los fondos y amarillas para los personajes y decorados. En post, se separaban las capas de color y así se creaban las mascaras. Fue un proceso que no duro mucho, ya que, solo funcionaba con el cine en blanco y negro.

Technicolor

La era del color necesitaba nuevas técnicas y procesos si quería seguir avanzando en el arte de las mascaras. La empresa Technicolor implementó el proceso de tres tiras, la cual consistía en una cámara que grababa simultáneamente sobre tres cintas en blanco y negro. Detrás del lente se situaba un prima especial que dividía la luz, una parte tenia un rollo de película que recogía los tonos verdes y el otro recogía de manera conjunta dos rollos que eran sensible a los tonos azules y rojos. Por ese motivo los actores y acciones se grababan sobre un fondo completamente azul ¿Por qué? Porque el azul es el color mas alejado del tono de la piel.

Un invento que ayudo bastante fue la impresora óptica, artefacto que tenia como fin combinar varias películas en una. Al grabar en tres rollos, si se separaba el negativo que tenia los tonos azules podía crearse una mascara. El primer paso era eliminar el fondo azul, luego con el negativo que contenía la mascara se eliminaba la silueta para terminar uniendo todo.

Era digital

La era digital fue un gran antes y después en la industria. El chroma key para ese entonces seguía siendo azul para realizar el keying, la técnica de quitar un color en especifico de la grabación. Los años seguían pasando y la tecnología seguía evolucionando, esto dio paso a que se vaya dejando de lado el color azul para empezar implementar el color verde que todos conocemos ¿Por qué?.

Los motivos son varios: Al ser mas claro que el azul es mas fácil de iluminar, se diferencia mejor del fondo en los exteriores, en cuanto al vestuario es difícil tener este color y a pesar de que el azul es el color mas alejado del tono color piel, el verde esta bastante alejado también. Pero eso no es todo, las técnicas evolucionaros por ende, las cámaras también. Los sensores de las nuevas cámaras siguen el patrón de Bayer, que utilizan el doble de filtros verdes que rojos o azules por lo tanto hace que el sensor sea mas sensible al color verde. Esto no quita que en algunas producciones se siga utilizando el color azul de fondo, siempre se analiza cual es la mejor opción a la hora de grabar.

¿Cómo se utiliza un Chroma Key?

El éxito de un buen chroma key es la iluminación durante el rodaje. Una iluminación uniforme generara un fondo liso que será mas fácil de retirar el fondo en post producción. Hay que evitar arrugas, sombras y brillos, ya que, esto dejara un fondo rugoso que no solo quedara mal a la vista sino que el resultado no va a quedar como esperamos.

El fondo puede ser de papel, tela, una pared pintada, etc. Las acciones por lo general tienen que ser dentro del parámetro del chroma para evitar tener que hacer rotoscopia y complicar las cosas en la edición. Volviendo a la iluminación, es muy importante que los personajes/objetos que pongamos delante de un chroma tengan una iluminación diferente a la del fondo y este acorde al escenario que pondremos. Puede ser que el fondo nos presente una iluminación verdosa en el personaje, en esos casos tenemos que usar un filtro de color para las luces del personaje de color magenta.

El proceso de editar un chroma necesita tiempo, paciencia y dedicación, la experiencia también es importante pero nadie nace sabiendo. Los invito a que busquen backstages de sus películas favoritas para ver si utilizan esta técnica fabulosa del chroma key.

Mirko Katavic